ໃນຕອນແລງຂອງເດືອນພະຈິກທີ່ໜາວເຢັນໃນນິວຢອກ, ນັກສິລະປະ, ນັກສະສົມ, ເຈົ້າຂອງຄັງຮູບຫຼາຍພັນຄົນ (ແລະພະນັກງານຂອງເຂົາເຈົ້າ), ຜູ້ອອກແບບພາຍໃນ ແລະຄົນອື່ນໆທີ່ມັກງານລ້ຽງຄັອກເທນອັນຍິ່ງໃຫຍ່ ແລະເຄື່ອງສິລະປະທີ່ງົດງາມ, ໄດ້ມາເຕົ້າໂຮມກັນຢູ່ສວນສາທາລະນະ. Avenue Armory ກັບ OMG, OOO ແລະ AhAha ໃນໄລຍະຕົ້ນສະບັບຂອງຄວາມງາມທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ (ແລະລາຄາທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່) ເພື່ອຫາເງິນສໍາລັບການການກຸສົນ (ລວມທັງ Dia Art Foundation ແລະ Planned Parenthood NYC). Ruinart, Goyard, Lalique ແລະ InCollect ເຂົ້າຮ່ວມເປັນຜູ້ສະຫນັບສະຫນູນເຫດການ.
ຫ້າສິບຫົກເຈົ້າຂອງຫໍສະມຸດຈາກ 11 ປະເທດ (ລວມທັງສະຫະລັດ. ເອີຣົບ, ອັງກິດ, ເຢຍລະມັນ, ແບນຊິກ, ຝຣັ່ງ, ເດນມາກ, ອີຕາລີ, ໂມນາໂກ, ເນເທີແລນ, ອາຟຣິກາໃຕ້, ສະເປນ, ແລະສວີເດນ) ຈາກ 30 ຫ້ອງສະແດງສາກົນ - ໄດ້ນໍາສະເຫນີວິທີການທົ່ວໂລກ ໄປສູ່ຄວາມທັນສະໄໝ. Salon ໄດ້ສະແດງ (ສໍາລັບການຊື້ແລະຊົມເຊີຍ) ເຟີນີເຈີປະຫວັດສາດ, ທີ່ທັນສະໄຫມແລະທັນສະໄຫມ, ການອອກແບບຕົ້ນສະບັບແລະສິນລະປະໃນທ້າຍສະຕະວັດທີ 19-20.
ມູນຄ່າຂອງເສດຖະກິດສ້າງສັນ
ປີ 2015, ຍອດມູນຄ່າການຜະລິດສິລະປະວັດທະນະທຳຢູ່ອາເມລິກາແມ່ນ 763.6 ຕື້ USD, ກວມເອົາ 4.2% ຂອງລວມຍອດຜະລິດຕະພັນພາຍໃນປະເທດ. ສິລະປະໄດ້ປະກອບສ່ວນເຂົ້າໃນເສດຖະກິດແຫ່ງຊາດຫຼາຍກວ່າການກໍ່ສ້າງ, ບໍ່ແຮ່, ການປະກັນໄພ, ທີ່ພັກແລະອຸດສາຫະກໍາການບໍລິການອາຫານ.
- ນັກສິລະປິນສ້າງສັນແມ່ນຊັບສິນທາງດ້ານເສດຖະກິດຂອງສະຫະລັດແລະໃນປີ 2015, ຍ້ອນນັກສິລະປິນ, ສະຫະລັດໄດ້ເກີນດຸນການຄ້າ 20 ຕື້ໂດລາໃນດ້ານສິລະປະແລະສິນຄ້າວັດທະນະທໍາ (ອາເມລິກາສົ່ງອອກ 63.6 ຕື້ໂດລາແລະນໍາເຂົ້າສິລະປະແລະວັດທະນະທໍາ 42.6 ຕື້ໂດລາ).
- ຜູ້ບໍລິໂພກຂອງເສດຖະກິດສ້າງສັນໃຊ້ຈ່າຍຫຼາຍກວ່າ 102.5 ຕື້ໂດລາໃນດ້ານສິລະປະ, ລວມທັງສິນຄ້າແລະການບໍລິການ, ປີ້ເຂົ້າຊົມ, ອາຫານ, ທີ່ພັກແລະຂອງຂວັນ (2017).
- ຂະແໜງສິລະປະແລະວັດທະນະທຳສະໜອງວຽກເຮັດງານທຳເປັນຈຳນວນຫຼວງຫຼາຍ (4.9 ລ້ານຄົນໃນປີ 2015), ກວມເອົາ 3% ຂອງວຽກງານທັງໝົດຂອງອາເມລິກາ, ເຊິ່ງລວມແລ້ວໄດ້ໃຫ້ກຳມະກອນ 372 ຕື້ໂດລາ.
ລັດຈະເລີນຮຸ່ງເຮືອງຈາກສິລະປະ
ໃນບັນດາລັດ, ສິລະປະກວມເອົາສ່ວນໃຫຍ່ທີ່ສຸດຂອງເສດຖະກິດຂອງວໍຊິງຕັນ, 7.9% ຫຼື 35.6 ຕື້ໂດລາ. ອີງໃສ່ອຸດສາຫະກໍາຮູບເງົາແລະໂທລະພາບ, ເສດຖະກິດສິລະປະຂອງຄາລິຟໍເນຍໃຫ້ເງິນຫຼາຍທີ່ສຸດໃນບັນດາລັດ, ດ້ວຍ $ 174.6 ຕື້ (7 ເປີເຊັນ).
ນິວຢອກ ຢູ່ໃນອັນດັບສອງຂອງທັງສອງປະເພດ, ໂດຍສິລະປະນໍາມາສູ່ເສດຖະກິດ 114.1 ຕື້ໂດລາ (7.8 ເປີເຊັນ). ພະນັກງານສິລະປະຂອງ 462,584 ຄົນຂອງລັດມີລາຍໄດ້ລວມ 46.7 ຕື້ໂດລາ (2015).
Delaware ອີງໃສ່ສິລະປະຫນ້ອຍທີ່ສຸດ, ເຊິ່ງປະກອບມີພຽງແຕ່ 1.3 ສ່ວນຮ້ອຍຂອງເສດຖະກິດຂອງລັດ, ຫຼື $ 900 ລ້ານ.
ເຫດການ: ສິລະປະ Salon + ການສະແດງອອກແບບ
ນັບຕັ້ງແຕ່ນັກສິລະປິນຫຼາຍຄົນໄດ້ສະແດງຜົນງານໃຫມ່ຫຼ້າສຸດຂອງພວກເຂົາໃນເຫດການນີ້, ມັນປາກົດຢູ່ເທິງສຸດຂອງລາຍການ "ເຮັດ" ຂອງໂລກສິລະປະ. ຂ້າພະເຈົ້າຢາກຈະໄດ້ມາພຽງແຕ່ກ່ຽວກັບທຸກສິ້ນທີ່ໄດ້ຮັບການສະແດງແຕ່ວ່າ, ທີ່ໃຊ້ເວລາ, ຊ່ອງແລະຊັບພະຍາກອນຈໍາກັດຫ້າມກິດຈະກໍານີ້; ແນວໃດກໍ່ຕາມ, ຂ້ອຍສາມາດແນະນໍາ "ບາງສິ່ງທີ່ຂ້ອຍມັກ."
ການເລືອກເຟັ້ນ
- Molly Hatch. Todd Merrill & Associates Studio. ເມືອງນີວຢອກ
Molly Hatch ເອົາ WOW ມາສູ່ສິນລະປະຮ່ວມສະໄໝ. ນາງໄດ້ປ່ຽນສິ່ງທີ່ເຄີຍເປັນ cliché (ຝາ - ວາງຖ້ວຍ painted ທີ່ນິຍົມໃນຊຸມປີ 1940) ແລະໄດ້ຫັນແນວຄວາມຄິດໄປສູ່ວຽກງານສິລະປະທີ່ສາມາດລວບລວມໄດ້ທີ່ເຫມາະສົມກັບຊີວິດພັນປີ (ມືຖື, ບໍ່ປ່ຽນແປງແລະປ່ຽນແປງ).
ຈານແຍ່ເປັນວິທີພື້ນເມືອງຂອງການສະແດງເຄື່ອງຕົບແຕ່ງອາຫານຄ່ຳ ແລະເປັນສ່ວນໜຶ່ງຂອງຫຼາຍວັດທະນະທຳຈາກເອີຣົບເຖິງອາຊີ. ຫລາຍສັດຕະວັດກ່ອນ, ການວາງສະແດງແຜ່ນປ້າຍທີ່ລະອຽດຢູ່ໃນເຮືອນແມ່ນເຄື່ອງຫມາຍຂອງຄວາມຮັ່ງມີແລະສະຖານະພາບທາງສັງຄົມສູງ.
ໃນມື້ນີ້, Hatch ອອກແບບແຜ່ນຂອງນາງທີ່ຈະແຂວນໃສ່ຝາເພື່ອໃຫ້ເຂົາເຈົ້າສາມາດສັງເກດເຫັນແລະຊົມເຊີຍ. palate ຂະຫນາດໃຫຍ່ຂອງນາງແລະສີທີ່ຂັບເຄື່ອນໄດ້ຊຸກຍູ້ໃຫ້ viewers ທີ່ຈະພິຈາລະນາໃຫມ່ແລະສິ່ງທີ່ເປັນໃນປັດຈຸບັນ; ສິ່ງທີ່ເປັນການປະຊຸມສະໄຫມໃນປັດຈຸບັນແມ່ນຊຸມສະໄຫມວິ.
Hatch ເກີດໃນປີ 1978. ແມ່ຂອງນາງເປັນນັກແຕ້ມຮູບແລະພໍ່ຂອງນາງ, ເປັນຊາວກະສິກອນນົມອິນຊີ. ນາງໄດ້ສຶກສາການແຕ້ມຮູບແລະເຄື່ອງປັ້ນດິນເຜົາ, ໄດ້ຮັບ BFA ຂອງນາງຈາກໂຮງຮຽນພິພິທະພັນໃນ Boston, MA. ຫຼັງຈາກວິທະຍາໄລນາງໄດ້ເຮັດວຽກກັບຊ່າງປັ້ນ Miranda Thomas ໃນ Vermont ແລະທີ່ຢູ່ອາໄສຂອງເຊລາມິກຍັງສືບຕໍ່ຢູ່ໃນສະຫະລັດແລະອິນເດຍຕາເວັນຕົກ. MFA ຂອງນາງໃນເຄື່ອງປັ້ນດິນເຜົາແມ່ນມາຈາກມະຫາວິທະຍາໄລ Colorado, Boulder. ໃນປີ 2009 ນາງໄດ້ຮັບຮາງວັນສິລະປະ / ອຸດສາຫະກໍາທີ່ຢູ່ອາໄສໃນເຄື່ອງປັ້ນດິນເຜົາທີ່ສູນສິລະປະ John Michael Kohler ໃນ Wisconsin.
Hatch ປະຈຸບັນເຮັດວຽກຈາກສະຕູດິໂອເຮືອນຂອງນາງໃນ Northampton, MA. ນອກເໜືອໄປຈາກເຄື່ອງປັ້ນດິນເຜົາແລ້ວ, ນາງຍັງເປັນນັກຂຽນ, ນັກສິລະປິນ-ນັກອອກແບບ ແລະ ສ້າງຮູບແບບຜ້າ, ເຄື່ອງເຟີນີເຈີ, ເຄື່ອງປະດັບ, ເຄື່ອງພິມ, ປາກກາແລະຫມຶກ, ແລະຮູບແຕ້ມ. ນາງໄດ້ຮັບການດົນໃຈຈາກແນວໂນ້ມປະຫວັດສາດໃນຜ້າ, ຕົວອັກສອນ, ເຊລາມິກແລະເຄື່ອງເຟີນີເຈີ, ຮັບຮູ້ຮູບແບບຊີວິດທີ່ທັນສະໄຫມທີ່ປະກອບມີການ nods ກັບ hip-hop, ເນື້ອເພງ indie, ຂໍ້ຄວາມແລະ colloquiums ເກັບກໍາ.
- Hubert Le Gall. ຫໍວາງສະແດງສະຕະວັດທີ 20
ເກົ້າອີ້ Maxou (2018)
ຜູ້ອອກແບບຝຣັ່ງ Hubert Le Gall ເກີດໃນ Lyon ໃນ 1961. ລາວເປັນສາຂາບໍລິຫານໃນວິທະຍາໄລແລະເມື່ອຮຽນຈົບ, ຍ້າຍໄປປາຣີ (1983). ໃນປີ 1988 ລາວໄດ້ເລີ່ມແຕ້ມຮູບແລະການແຕ້ມຮູບ, ການອອກແບບຕ່ອນເຟີນີເຈີທີ່ມີຂອບເຂດຊາຍແດນ, ການເຊື່ອມຕໍ່ poetic, ແລະປັນກັບການເຮັດວຽກ.
ລາວໄດ້ຮັບການດົນໃຈຈາກສິ່ງທີ່ເປັນ surreal ແຕ່ມີສຽງກະຊິບ (ແລະ shouts) ກັບອາລະຍະທໍາກເຣັກແລະ Roman, ສະຕະວັດທີ 18 ຂອງຝຣັ່ງ, Empire, Art Nouveau ແລະໄລຍະເວລາ Art Deco. ລາວຍັງໄດ້ຮັບການດົນໃຈຈາກ Salvador Dali, Jean Cocteau, Surrealists ແລະ Max Ernst.
ຜົນງານຂອງລາວໄດ້ຮັບສຽງຕົບມືຈາກສາກົນໃນປີ 1995 ເມື່ອລາວຖືກຄົ້ນພົບ ແລະສົ່ງເສີມໂດຍເຈົ້າຂອງຫ້ອງສະແດງ Elisabeth Delacarte. ງານວາງສະແດງຄັ້ງທໍາອິດຂອງລາວແມ່ນຢູ່ທີ່ Parisian Galerie Avant-Scene ແລະວຽກງານທີ່ສະແດງ (ລວມທັງຕາຕະລາງດອກກຸຫລາບແລະດອກໄມ້), ໄດ້ກາຍເປັນສິ່ງທີ່ມີຄຸນຄ່າເປັນຊິ້ນສ່ວນລາຍເຊັນຂອງລາວ.
- ອຸດົມສົມບູນ Mnisi. ອາຟຣິກາໃຕ້
ອາຟຣິກາໃຕ້ເກີດ Rich Mnisi ໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນວິສາຫະກິດຂອງຕົນໃນ 2014. ລາວໄດ້ຖືກສັງເກດເຫັນວ່າເປັນຜູ້ນໍາໃນວິທະຍາສາດຂອງຄົນອັບເດດ: ແລະໄດ້ຮັບການຍອມຮັບເປັນ Africa Fashion International Young Designer ຂອງປີ (2014).
ໂສ້ງໜັງທີ່ຫຼູຫຼາຂອງ Mnisi ໃຊ້ຮູບຊົງຂອງ Nwa-Mulamula (The Guardian) ເປັນຕົວແທນຂອງແມ່ຕູ້ໃຫຍ່ຂອງລາວ. ມັນເປັນການມີຢູ່ຂອງນາງແລະຄໍາສອນຂອງນາງທີ່ຄົງຢູ່ຕະຫຼອດໄປໂດຍຜ່ານການເລົ່າເລື່ອງ, ຄົນລຸ້ນຕໍ່ໄປ. ອາຈົມ, ໃນຮູບຊົງຂອງຕາທີ່ມີໜອງທອງ,” … ເປັນຕົວແທນຂອງນ້ຳຕາຂອງນາງ, ເຊິ່ງບໍ່ເຄີຍເສຍປະໂຫຍດ. ຖ້າບໍ່ມີຄວາມເຈັບປວດແລະປະສົບການຂອງນາງ, ຂ້ອຍຈະບໍ່ມີຢູ່. ຂ້າພະເຈົ້າບໍ່ສາມາດເປັນຄົນທີ່ຂ້າພະເຈົ້າໃນມື້ນີ້” (Rich Mnisi).
ຮູບແບບທີ່ມີຄວາມຮູ້ສຶກແມ່ນບໍ່ມີເວລາແລະໂດຍເນື້ອແທ້ແລ້ວຂອງພວກມັນແມ່ນເປັນເອກະລັກຂອງອາຟຣິກາໃນຂະນະທີ່ເປັນທີ່ຫນ້າສົນໃຈທົ່ວໂລກ.
- Reinaldo Sanguino. ຄັງຮູບທີ່ສົມບູນແບບໃນອະນາຄົດ. ນະຄອນນິວຢອກ.
Reinaldo Sanguino ເກີດຢູ່ໃນ Venezuela ແລະປະຈຸບັນເຮັດວຽກຢູ່ໃນນະຄອນນິວຢອກ. ຊິ້ນສ່ວນສິລະປະແລະເຊລາມິກຂອງລາວມີຄວາມເຄົາລົບຕໍ່ຄວາມສົດຊື່ນຂອງສະພາບແວດລ້ອມຂອງລາວແລະແຕ່ລະຊິ້ນສ່ວນທີ່ເປັນເອກະລັກໃຊ້ດິນເຜົາເປັນໂຄງສ້າງແລະຜ້າໃບ.
Sanguino ຈົບການສຶກສາຈາກໂຮງຮຽນ Visual Arts Cristobal Rojas ໃນ Caracas, Venezuela. ລາວໄດ້ພັດທະນາເຕັກນິກຂອງລາວໂດຍອີງໃສ່ຄວາມສົນໃຈຂອງລາວໃນ Meissen porcelain ແລະຄວາມສໍາຄັນຂອງມັນໃນປະຫວັດສາດເອີຣົບ. ລາວໄດ້ຮັບແຮງບັນດານໃຈ ແລະ ອິດທິພົນຈາກກາຟຟີຕີ – ການແຕ້ມຮູບແບບສະໄຕລ໌ ແລະ ວຽກງານຂອງລາວໄດ້ສັ່ງໃຫ້ຄວາມສົນໃຈ ເນື່ອງຈາກສີສັນສົດໃສ, ໂຄງສ້າງ ແລະ ວັດສະດຸທີ່ລຽບງ່າຍ.
ໃນປີ 2007 ລາວໄດ້ເປັນຜູ້ສະເໜີຊື່ສໍາລັບລາງວັນ Louis Comfort Tiffany Biennial ແລະຫນຶ່ງໃນນັກສິລະປິນທີ່ເຂົ້າຮ່ວມໃນ El Museo Del Barrio 5th edition 2007-2008 Biennale, "the (S) Files" ໃນນະຄອນນິວຢອກ.
ວຽກງານຂອງ Sanguino ໄດ້ຖືກສະແດງຢູ່ໃນຫ້ອງສະແດງ Sultan, ເປັນສ່ວນຫນຶ່ງຂອງໂຄງການ Dean New York; ພິພິທະພັນສິລະປະ & ການອອກແບບ, ນິວຢອກ; ພິພິທະພັນວິຈິດສິນ, Houston, Texas; ພິພິທະພັນ MINT ໃນ Charlotte, North Carolina ແລະສະຖາບັນສິລະປະ Minneapolis, Minneapolis, Minnesota. ລາວອອກແບບ Miami / debut ກັບ Future Perfect (2017).
- Pamela Sabroso ແລະ Alison Siegel. Heller Gallery. ເມືອງນີວຢອກ
Pamela Sabroso ໄດ້ຮັບ BFA ຂອງນາງໃນການສຶກສາຫັດຖະກໍາແລະວັດສະດຸຈາກ Virginia Commonwealth University (2007) ແລະ Alison Siegel ໄດ້ຮັບລາງວັນປະລິນຍາຕີດ້ານສິລະປະຈາກມະຫາວິທະຍາໄລ Alfred (2009). ປະຈຸບັນເຂົາເຈົ້າຢູ່ແລະເຮັດວຽກຢູ່ Brooklyn, New York.
ພວກເຂົາເຈົ້າໄດ້ເລີ່ມເຮັດວຽກຮ່ວມກັນໃນປີ 2014 ພົບວ່າແນວຄວາມຄິດຂອງເຂົາເຈົ້າເກີດຂຶ້ນແລະປະສົມປະສານໂດຍຜ່ານການແຕ້ມຮູບ, ການສົນທະນາແລະທາງດ້ານຮ່າງກາຍຂອງການເຮັດວຽກຢ່າງໃກ້ຊິດຮ່ວມກັນ. ຮ່ວມກັນພວກເຂົາແມ່ນຜະຈົນໄພແລະນໍາເອົາຄຸນນະພາບທີ່ສົດຊື່ນແລະເປັນເອກະລັກໃຫ້ກັບແຕ່ລະວັດຖຸທີ່ພວກເຂົາສ້າງ. ຜົນງານສຸດທ້າຍແມ່ນມ່ວນ, ສະຫລາດ, ມີການເຄື່ອນໄຫວ, ບໍ່ທຳມະດາ ແລະ ໜ້າຮັກ. ແນ່ນອນ, ການເຮັດວຽກໃນສະຕະວັດທີ 21, ພວກເຂົາແບ່ງປັນເສລີພາບທີ່ສ້າງສັນທີ່ມີຮາກຂອງມັນຢູ່ໃນການເຄື່ອນໄຫວຂອງ American Studio Glass ໃນຕອນຕົ້ນ.
ວຽກງານທີ່ໃຊ້ແຮງງານຫຼາຍແມ່ນເລີ່ມຈາກການເຮັດຊິ້ນສ່ວນ ແລະແມ່ພິມຂີ້ເຜີ້ງສໍາລັບເປົ່າແກ້ວ ແລະຂະຫຍາຍໄປສູ່ການເປົ່າແກ້ວ. Sabroso, ປຶກສາຫາລືກ່ຽວກັບວຽກງານຂອງນາງກັບ Siegel, "... ເພື່ອສ້າງສັນເຈົ້າຕ້ອງປ່ອຍໃຫ້ຕົວເອງມີຄວາມສ່ຽງ. ໃນເວລາທີ່ທ່ານມີຄວາມຊື່ສັດກ່ຽວກັບຜູ້ທີ່ທ່ານເປັນ, ທ່ານເປີດເຜີຍທັດສະນະທີ່ເປັນເອກະລັກແລະແປກ. ການສ້າງລວມຂອງພວກເຮົາແມ່ນ Stranger Together.”
- Frank Lloyd Wright. Bernard Goldberg ວິຈິດສິນ. ເມືອງນີວຢອກ
Frank Lloyd Wright (1867-1959)
Wright ເກີດຢູ່ໃນ Richland Center, Wisconsin (1867). ໃນໄລຍະ 70 ປີອາຊີບເປັນສະຖາປະນິກ, Wright ໄດ້ສ້າງຫຼາຍກວ່າ 1100 ການອອກແບບ. ເຖິງແມ່ນວ່າລາວໄດ້ເຂົ້າມະຫາວິທະຍາໄລ Wisconsin (1885) ແລະໄດ້ສຶກສາວິສະວະກໍາໂຍທາ, ແຕ່ບໍ່ດົນລາວກໍ່ບໍ່ພໍໃຈກັບສາຂານີ້. ໃນເວລາທີ່ລາວເຮັດວຽກໃຫ້ Joseph Silsbee ໃນການກໍ່ສ້າງ Unity Chapel, ລາວຮັບຮູ້ຄວາມມັກໃນສະຖາປັດຕະຍະກໍາຂອງລາວ, ດັ່ງນັ້ນລາວໄດ້ຍ້າຍໄປ Chicago ແລະຝຶກງານກັບບໍລິສັດສະຖາປັດຕະຍະກໍາ Adler ແລະ Sullivan, ເຮັດວຽກໂດຍກົງກັບ Louis Sullivan (1893).
ຫຼັງຈາກນັ້ນລາວໄດ້ຍ້າຍໄປ Oak Park, Illinois ແລະເລີ່ມເຮັດວຽກຈາກຫ້ອງສະຕູດິໂອເຮືອນຂອງລາວທີ່ລາວໄດ້ພັດທະນາລະບົບການອອກແບບທີ່ພັດທະນາຈາກຫນ່ວຍງານຕາຂ່າຍໄຟຟ້າໂດຍສຸມໃສ່ວັດສະດຸທໍາມະຊາດທີ່ເປັນທີ່ຮູ້ຈັກໃນນາມໂຮງຮຽນສະຖາປັດຕະຍະກໍາ Prairie.
ໃນລະຫວ່າງຊຸມປີ 1920 – 1930 ລາວໄດ້ໃຊ້ເວລາສອນ ແລະຂຽນ. ໃນປີ 1935 ລາວໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນເຮັດວຽກໃນ Fallingwater, ການອອກແບບທີ່ຢູ່ອາໄສທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດຂອງລາວ. ໃນຊຸມປີ 1940 - 1950 ລາວໄດ້ສຸມໃສ່ການອອກແບບ Usonian ທີ່ສະທ້ອນເຖິງຄວາມເຊື່ອຂອງລາວໃນສະຖາປັດຕະຍະກໍາປະຊາທິປະໄຕ, ສະເຫນີທາງເລືອກທີ່ຢູ່ອາໄສຂອງຊັ້ນກາງ.
ໃນປີ 1943 ລາວໄດ້ອອກແບບພິພິທະພັນ Solomon R. Guggenheim ໃນ NYC. ຫໍພິພິທະພັນໄດ້ເປີດໃນປີ 1959, ຫົກເດືອນຫຼັງຈາກລາວເສຍຊີວິດແລະໄດ້ຮັບການສັງເກດເຫັນວ່າເປັນວຽກງານທີ່ສໍາຄັນທີ່ສຸດຂອງລາວ.
ຫໍວິຈິດສິນ Bernard Goldberg ໃນນິວຢອກໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນໃນປີ 1998 ໂດຍທະນາຍຄວາມຂອງນິວຢອກ. ມື້ນີ້ຫ້ອງວາງສະແດງມີຄວາມຊ່ຽວຊານໃນສິລະປະອາເມລິກາ (1900-1950), ລວມທັງ Ashcan, Modernist, Urban Realist, Social Realist and Regionalist paintings, sculpture and work on paper.
ຊາວໂຮ້ຍໂປໂລຍເຂົ້າຮ່ວມງານລ້ຽງ
ຊອກຫາຮ້ານເສີມສວຍໃນເດືອນພະຈິກ 2019. ຈອງກ່ອນໄດ້ກ່ອນ... ນີ້ແມ່ນເຫດການທີ່ໂດດເດັ່ນສຳລັບທຸກຄົນທີ່ເຫັນໂລກແຫ່ງສິນລະປະ ແລະການອອກແບບທີ່ໜ້າສົນໃຈ.
©ທ່ານດຣ Elinor Garely. ບົດຂຽນລິຂະສິດນີ້, ລວມທັງຮູບພາບ, ອາດຈະບໍ່ຖືກພິມເຜີຍແຜ່ໂດຍບໍ່ໄດ້ຮັບອະນຸຍາດເປັນລາຍລັກອັກສອນຈາກຜູ້ຂຽນ.
ສິ່ງທີ່ຄວນເອົາໄປຈາກບົດຄວາມນີ້:
- ໃນຕອນແລງຂອງເດືອນພະຈິກທີ່ໜາວເຢັນໃນນິວຢອກ, ນັກສິລະປະ, ນັກສະສົມ, ເຈົ້າຂອງຄັງຮູບຫຼາຍພັນຄົນ (ແລະພະນັກງານຂອງເຂົາເຈົ້າ), ຜູ້ອອກແບບພາຍໃນ ແລະຄົນອື່ນໆທີ່ມັກງານລ້ຽງຄັອກເທນອັນຍິ່ງໃຫຍ່ ແລະເຄື່ອງສິລະປະທີ່ງົດງາມ, ໄດ້ມາເຕົ້າໂຮມກັນຢູ່ສວນສາທາລະນະ. Avenue Armory ກັບ OMG, OOO ແລະ AhAha ໃນໄລຍະຕົ້ນສະບັບຂອງຄວາມງາມທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ (ແລະລາຄາທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່) ເພື່ອຫາເງິນສໍາລັບການການກຸສົນ (ລວມທັງ Dia Art Foundation ແລະ Planned Parenthood NYC).
- ນັກສິລະປິນສ້າງສັນແມ່ນຊັບສິນທາງດ້ານເສດຖະກິດຂອງສະຫະລັດແລະໃນປີ 2015, ຍ້ອນນັກສິລະປິນ, ສະຫະລັດໄດ້ເກີນດຸນການຄ້າ 20 ຕື້ໂດລາໃນດ້ານສິລະປະແລະສິນຄ້າວັດທະນະທໍາ (ອາເມລິກາສົ່ງອອກ 63 ໂດລາ.
- ນາງໄດ້ປ່ຽນສິ່ງທີ່ເຄີຍເປັນ cliché (ຝາ - ວາງຖ້ວຍ painted ທີ່ນິຍົມໃນຊຸມປີ 1940) ແລະໄດ້ຫັນແນວຄວາມຄິດໄປສູ່ວຽກງານສິລະປະທີ່ສາມາດລວບລວມໄດ້ທີ່ເຫມາະສົມກັບຊີວິດພັນປີ (ມືຖື, ບໍ່ປ່ຽນແປງແລະປ່ຽນແປງ).
